"La música no puede cambiar el mundo, pero sí reconforta nuestras vidas. Es lo más cerca que podemos estar de la idea de Dios. Sin música, la vida no tendría sentido". Karl Bartos
10.6.13
17.7.11
Let the river run
En 1988, la cantante y compositora Carly Simon vivía en Martha’s Vineyard con su nuevo marido Jim Hart, y sus dos hijos. Por aquel entonces, Simon ya era una artista consolidada que contaba con una serie de éxitos en su palmarés entre las que se encuentran: “Anticipation” (1972), “You’re So Vain” (1973), and “Nobody Does It Better” (1977).
En ese mismo año, el director de peliculas como "El Graduado" (1967) y "Carnal Knowledge (1971), Micke Nichols, contactó con ella para proponerle que creara una canción especial, una canción que captara lo esencial de una nueva película en la que estaba trabajando titulada "Armas de mujer" y que contaba con un reparto de moda en aquellos años: Melanie Griffith, Harrison Ford, Sigourney Weaver y Joan Cussak.
En "Armas de mujer", Melanie Griffith interpreta a una secretaria astuta y soñadora que consigue triunfar en la jungla de Wall Street destapando gestiones de dudosa legalidad en su empresa. Al tiempo que todo esto ocurre, se enamora del hombre al que está viendo su jefa y ya tenemos el triángulo montado. Acompañando las aventuras y desventuras del trío, nos encontramos con una melodía que es parte clave del montaje: Let the river run, compuesta por Simon.
No era la primera vez que Simon colaboraba con Nichols. Dos años antes, Simon escribió “Coming Around Again” para la película "Heartburn", basada a en el libro de Nora Ephron. La popularidad que alcanzó esta canción fue tal, que se convirtió en uno de las canciones más relevantes en el curriculum de Simon.
No era la primera vez que Simon colaboraba con Nichols. Dos años antes, Simon escribió “Coming Around Again” para la película "Heartburn", basada a en el libro de Nora Ephron. La popularidad que alcanzó esta canción fue tal, que se convirtió en uno de las canciones más relevantes en el curriculum de Simon.
"Let the river run", tema de apertura a la película consiguió que, según Simon, “Mike Nichols se quedó estático con la canción" Sin embargo, los ejecutivos de los estudios amenazaron con sustituirla por “Witchy Woman,” una canción de The Eagles. Aún así, Nichols insistió en su preferencia por la de Simon y finalmente lo consiguió.
El tono edificante y motivador de Simon encaja perfectamente con el talante de la pelicula, sugiriendo que el trabajo levanta a las naciones y motivando a las mujeres para que consigan aumentar su capacidad de ambición para lograr puestos de trabajo en los que se visibilize su papel.
En Febrero de 1989 en el New York Times, Simon apuntó que se inspiró en la secuencia inicial de la pelicula para escribir la canción:
“La primera escena era tan impresionante, con las imágenes del Rio Hudson, la estatua de la Libertad y los edificios de acero relucientes, que me impulsó a revisar el famoso poema de Walt Whitman "‘Leaves of Grass’ y aunque no encontré lo que buscaba, la poesía me ayudó a alcanzar el sentimiento que deseaba. Desde el comienzo, pensé que tenía que ser un himno con un latido selvático. Había algo enorme y atrayente sobre estas mujeres secretarias que emigraban cada día hacia la jungla de Wall Street".
Los primeros títulos que se barajaron para la canción fueron "‘The Wall Street Hymn,’ y ‘The New Jerusalem.’ Simon declara que "esta última es una frase que incluyo en la canción porque le da un halo de espiritualidad, como si fuera la tierra prometida."
"Working Girl" se convirtió en la pelicula más atractiva del año en EEUU y el tema de Simon en una especie de himno para las mujeres trabajadoras de cualquier lugar del planeta. "Let the river run" se hizo con el Oscar, el Grammy y el Globo de Oro a la Mejor Canción en el año 1989-1990.
Recuerdo tener la necesidad de escucharla de camino a mis primeros empleos, la motivación era tal, que después, una vez allí, tenía que dosificarla y reubicarme para no abstraerme de mi realidad, que era algo distinta de la de Sigourney y Melanie en la película.
Los primeros títulos que se barajaron para la canción fueron "‘The Wall Street Hymn,’ y ‘The New Jerusalem.’ Simon declara que "esta última es una frase que incluyo en la canción porque le da un halo de espiritualidad, como si fuera la tierra prometida." "Working Girl" se convirtió en la pelicula más atractiva del año en EEUU y el tema de Simon en una especie de himno para las mujeres trabajadoras de cualquier lugar del planeta. "Let the river run" se hizo con el Oscar, el Grammy y el Globo de Oro a la Mejor Canción en el año 1989-1990.
Recuerdo tener la necesidad de escucharla de camino a mis primeros empleos, la motivación era tal, que después, una vez allí, tenía que dosificarla y reubicarme para no abstraerme de mi realidad, que era algo distinta de la de Sigourney y Melanie en la película.
2.6.11
Pulp
Barcelona, Viernes 27 de Mayo, 02.00 de la madrugada Jarvis Cocker salta al escenario San Miguel del Primavera Sound ante las ansiosas miradas de 50.000 personas. "Voy a presenciar un momento histórico" pensé y no pasó más de 10 minutos antes de que Jarvis proclamara lo mismo tras una nube de humo y confusión de focos - "this is not about ancient history, we are going to make history" - y así fué, PULP empezaba a sonar ante la misma euforia colectiva que caracterizaba cualquier concierto del grupo durante la década de los 90. Cuando el letrero gigante que se columpiaba al fondo del escenario se encendió para iluminar el nombre del grupo, la banda esculpió los primeros acordes del muy apropiado clásico del álbum His N' Hers “Do You Remember The First Time?”, supimos que había comenzado un espectáculo inolvidable. Los pelos de punta, los recuerdos aflorando, las emociones a flor de piel y la cuerdas vocales preparadas para ser cruelmente agotadas.
Desde "Do you remember the first time" (una exploración sobre la pérdida de la virginidad) hasta "Sorted out for Ezs and Wizs" (una astuta crítica a la cultura vacía del rave) pasando por "Underwear" (una apuesta por la ropa interior), "FEELING CALLED LOVE", (jadeante y épico tributo al sexo) "Babies", (la curiosidad pervertida de un niño ante la actividad sexual de su hermana en la habitación de al lado), "Disco 2000" (es la más clara manifestación de la marca glam rock que persigue el grupo) y por supuesto el broche final de "Common People" (himno del britpop que puso en evidencia a la acomodada clase social británica por adoptar comportamientos de la los barrios más bajos del East End) con el que aprovechó para reivindicar, aliándose con los "indignados", incluso también tuvo tiempo para espiarnos tras una cámara en "I spy", por fin se cumplían muchos sueños, los de miles de seguidores de la buena música, del indescriptible talento pop de un señor que entronizó al Britpop en los años 90 y que vuelve luciendo su arte más retro en los escenarios.
Esa noche, el escenario vibró ennvuelta en una estética glam procedente de una clara influencia "David Bowiana" mezclada con tonos tecno, indie y sobre todo pop, mucho pop. Todo estaba tal cual lo habían dejado a finales de los 90, casi intocable. Sólo una barba recortada separaba al Jarvis actual del Jarvis fundador de la banda en los 70.
El grupo debe su nombre a la película protagonizada por Michael Caine en 1972, "Pulp" o "Historias peligrosas" como fue titulada en España. Cocker sentía una estimulante atracción no sólo hacia los personajes o la historia, sino, también y como todo buen popero, por su estética y en particular la de Caine en la pelicula la cual adoptó como propia.
Tras años de insistencia y sin fortuna, por fin les llegó su hora a mediados del os 90. Triunfaron a lo grande. Sus canciones se tarareaban, se bailaban y se comentaban en cualquier rincón de cualquier garito en todo el Reino Unido. Así como entre los seguidores de Blur y Oasis siempre existieron rivalidades, los seguidores de Pulp fuimos todos y en claro consenso. Una de las principales señas de identidad de Pulp tiene que ver con la peculiaridad en la forma de contar las historias personificadas en Jarvis Cocker, algo que premió no sólo el público sino también y con gran reconocimiento la industria. Cada canción es un inteligente guiño a todo y nada en concreto. Dice Jarvis que no es amigo de la canción protesta o social o reivindicativa, pero todas terminan invitando a un pensamiento o una reflexión.
Pero en 1998 se nos acaba el chollo, Jarvis se medio retira, se traslada a París, se casa, tiene un hijo y colabora puntualmente en documentales y reportajes de interés hasta que por fin este año de manera repentina, decide volver a encontrarse con su público en Barcelona. Una cita ineludible con la buena música, citando una de las conclusiones de la excelente crónica de Lucas Arraut en El País sobre el concierto, "uno de los conciertos más memorables en 11 años de Primavera Sound." y para mí, de los más memorables de mi vida.
Tras años de insistencia y sin fortuna, por fin les llegó su hora a mediados del os 90. Triunfaron a lo grande. Sus canciones se tarareaban, se bailaban y se comentaban en cualquier rincón de cualquier garito en todo el Reino Unido. Así como entre los seguidores de Blur y Oasis siempre existieron rivalidades, los seguidores de Pulp fuimos todos y en claro consenso. Una de las principales señas de identidad de Pulp tiene que ver con la peculiaridad en la forma de contar las historias personificadas en Jarvis Cocker, algo que premió no sólo el público sino también y con gran reconocimiento la industria. Cada canción es un inteligente guiño a todo y nada en concreto. Dice Jarvis que no es amigo de la canción protesta o social o reivindicativa, pero todas terminan invitando a un pensamiento o una reflexión.
Pero en 1998 se nos acaba el chollo, Jarvis se medio retira, se traslada a París, se casa, tiene un hijo y colabora puntualmente en documentales y reportajes de interés hasta que por fin este año de manera repentina, decide volver a encontrarse con su público en Barcelona. Una cita ineludible con la buena música, citando una de las conclusiones de la excelente crónica de Lucas Arraut en El País sobre el concierto, "uno de los conciertos más memorables en 11 años de Primavera Sound." y para mí, de los más memorables de mi vida.
16.5.11
Under the bridge de RHCP
Aunque a principios de los años 90 las cosas marchaban bien a nivel creativo para los Red Hot Chilli Peppers, Anthony Kiedis, vocalista de la banda, comenzó a sentirse desplazado una vez que Flea y John Frusciante (guitarristas) encontraron un vínculo que les mantendría unidos: la marihuana.
Un día, Kiedis apareció durante un ensayo y al ser ignorado por el nuevo dueto John - Flea, experimentó un estado melancólico de pérdida viendo como sus compañeros pasaron de la amistad al respeto de pertenecer al mismo grupo y ahí acababa la relación.
Sintió que se arrepentía de haber despreciado su tiempo pero también apreció el lazo que se había creado entre Kiedis y su ciudad durante los años en los que había optado por estar en las calles de L.A. y no con su gente.
La idea le llevó a improvisar versos para una nueva melodía mientras conducía por las calles a oscuras. Al llegar a casa anotó la inspiración dotándolo de estructura musical y así fue como nació "Under the bridge".
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| Varias escenas del video de "Under the Bridge" de RHCP |
Aunque a principios de los años 90 las cosas marchaban bien a nivel creativo para los Red Hot Chilli Peppers, Anthony Kiedis, vocalista de la banda, comenzó a sentirse desplazado una vez que Flea y John Frusciante (guitarristas) encontraron un vínculo que les mantendría unidos: la marihuana.
Un día, Kiedis apareció durante un ensayo y al ser ignorado por el nuevo dueto John - Flea, experimentó un estado melancólico de pérdida viendo como sus compañeros pasaron de la amistad al respeto de pertenecer al mismo grupo y ahí acababa la relación.
Esa noche, tras el ensayo, Kiedis condujo por la autovía 101 de Los Ángeles, su ciudad, con la sensación de haber encontrado la soledad. Recordó entonces como había perdido a otras personas importantes en su vida, en particular a Ione, una preciosa cara de ángel dispuesta a entregarle todo su amor mientras el malgastaba su tiempo con consumidores de speed bajo un puente.
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| Mítica escena final del video "Under the bridge" de RHCP |
Sintió que se arrepentía de haber despreciado su tiempo pero también apreció el lazo que se había creado entre Kiedis y su ciudad durante los años en los que había optado por estar en las calles de L.A. y no con su gente.
La idea le llevó a improvisar versos para una nueva melodía mientras conducía por las calles a oscuras. Al llegar a casa anotó la inspiración dotándolo de estructura musical y así fue como nació "Under the bridge".
13.5.11
The Beautiful South
La primera frase de una canción de la banda The Beautiful South que escuché decía así: "I love you from the bottom of my pencil case." (te quiero desde lo más profundo de mi estuche de lápices"). Fue un flechazo: la originalidad de la letra, la melodía y la tonalidad de la voz me cautivaron. No hace falta ser Británico para apreciar la inteligente ironía de una de las mejores bandas británicas de los últimos 20 años: The Beautiful South. No es un grupo demasiado conocido en nuestro país (ni siquiera aparece en la wikipedia española), y es por este motivo que, pese a su carga y extensión, he querido hacer en este post, un recorrido por toda su obra, porque merecen la pena, porque tienen mucho que contar y porque son uno de los grandes. La historia de su formación comienza a finales de los años 80, cuando dos ex-componentes de la mítica banda británica The Housemartins, Paul Heaton y Dave Hemingway, originarios de Hull (una ciudad al norte de Inglaterra) deciden que tienen mucho que ofrecer y que lo quieren hacer a su manera. Junto a ellos: Sean Welch, Dave Stead, Dave Rotheray, Briana Corrigan (primera vocalista), Jacqui Abbott (quien reemplazó a Briana) y Alison Wheeler (la última vocalista del grupo).
Heaton aspiraba a escribir por y para las mujeres y sobre inquietudes de gran interés para el público femenino. Todo ello, para prevenir que el grupo se conviritiera en una "lad's band" cualquiera. El 90% de los seguidores de The Housemartins eran chicos y el no aspiraba a seguir satisfaciendo sólo las almas de quinceañeros desubicados. En 1989, todo está listo para arrancar:
"Welcome to the Beautiful South", su primer trabajo lanzado en Octubre de 1989, simbolizó el despertar de la sociedad británica al mundo del "jangly indie-pop" con un toque lírico de la banda. La gran acogida no se vio empañada ni siquiera por su polémica portada - en la que una mujer se introduce una pistola en la boca - aun cuando uno de los principales centros comerciales del país, se opuso a comercializarlo por su carácter políticamente incorrecta. Es anecdótico, pero a este incidente, el grupo respondió presentando una portada alternativa en el que la controvertida portada fue reemplazada por una con un osito de peluche.
Heaton aspiraba a escribir por y para las mujeres y sobre inquietudes de gran interés para el público femenino. Todo ello, para prevenir que el grupo se conviritiera en una "lad's band" cualquiera. El 90% de los seguidores de The Housemartins eran chicos y el no aspiraba a seguir satisfaciendo sólo las almas de quinceañeros desubicados. En 1989, todo está listo para arrancar:
"Welcome to the Beautiful South", su primer trabajo lanzado en Octubre de 1989, simbolizó el despertar de la sociedad británica al mundo del "jangly indie-pop" con un toque lírico de la banda. La gran acogida no se vio empañada ni siquiera por su polémica portada - en la que una mujer se introduce una pistola en la boca - aun cuando uno de los principales centros comerciales del país, se opuso a comercializarlo por su carácter políticamente incorrecta. Es anecdótico, pero a este incidente, el grupo respondió presentando una portada alternativa en el que la controvertida portada fue reemplazada por una con un osito de peluche.
The Beautiful South arranca su debut en mayo de 1989 con el single: "Song For Whoever," una magnífica balada al piano que ridiculiza las almibaradas canciones de amor con nombres de mujer en sus letras. La canción alcanzó el nº2 en las listas de ventas británicas marcando un hito en la historia de la banda. 
"I'll sail this ship alone" es uno de los temas más crudos del álbum: la separación, la ruptura, el amor no correspondido. Probablemente sería una situación por la que Heaton habría pasado porque se puede sentir el hastío y la creciente angustia. La canción trata de un hombre aceptando que su ex-pareja le ha dejado pero al mismo tiempo intenta recuperarla. Las primeras estrofas nos sugieren que se ha resignado a su nuevo destino, pero a medida que la canción avanza, vemos como las palabras son de pánico y desesperación llegando a un final abrupto y definitivo: "Well they said if I burnt myself alive, that you'd come running back". ("dicen que si me quemo vivo, vendrás de nuevo a mi")
En 1990 llega "Choke", el segundo álbum del grupo, para confirmar la grandeza de Paul Heaton como compositor y letrista. La ironía de los miembros del grupo queda aquí patente desde su título "Ahogo".
En línea con su peculiaridad lírica influenciada por el pop cabaretero y musical, en este álbum consiguen un toque endiablado pero encantador.
En línea con su peculiaridad lírica influenciada por el pop cabaretero y musical, en este álbum consiguen un toque endiablado pero encantador.
Alejados de las vidas arruinadas de álbums anteriores, el grupo entra en el mundo de los negocios y la corrupción en 'I’ve Come For My Award'.
De este álbum se extrae el único nº1 del grupo en el Reino Unido: A little time. Posiblemente este sea uno de los mejores ejemplos del potencial para crear historias de Heaton. 'A little time' cuenta la historia de un hombre que intenta huir de una relación a la quiere volver tras darse cuenta de que sigue enamorado de ella. Demasiado tarde para ella, que descubre que está mejor sin el. Marca el fin de una relación - llevada hacia la angustia, la indecisión, el odio y el despecho, libre de tópicos.
El video de la canción se mantiene memorable en el Reino Unido - destacable por las retorcidas escenas en las que la pareja aparece en plena desgarradora discusión doméstica cubiertos en harina y rodeados de ositos de peluche embadurnados en mantequilla. No sorprende que la canción fuera escrita para ser cantada por Briana porque no encuentro rival.
De todas las brillantes canciones de este segundo álbum, me quedo con: 'I Think The Answer’s Yes" (pienso que la respuesta es si). Una delicia de canción en cuanto a sus trompéticas melodías y harmónico piano complementado con una complicada reivindicación por parte de su autor Heaton: "siempre he pensado que la ira en la política es algo positivo. Si no estás enfadado, lo vale la pena expresar una opinión política. Mira lo que sucede cuando la gente mezcla la música la política de imitación/falsa política - el resultado es un desastre. Una de las razones por las que me muestro a favor del conflicto armado antes de acudir a las urnas como reflejo en la canción ‘I Think the Answer’s Yes’ es porque creo que la ira juega un lugar importante en la política."
Su tercer trabajo, lanzado en 1992 fue "0898", considerado uno de los mejores y mas completos de la banda aun cuando no llegó al éxito de los anteriores, la notoriedad fue más que aceptable.
El título "0898" hace referencia al número que se marca en el Reino Unido para los servicios de "adultos".
Una vez más, el grupo intercala temas sensibles y reflexivos con melodías frescas y soleadas. Esto es lo que les hace especiales y les distingue del resto.
El título "0898" hace referencia al número que se marca en el Reino Unido para los servicios de "adultos".
Una vez más, el grupo intercala temas sensibles y reflexivos con melodías frescas y soleadas. Esto es lo que les hace especiales y les distingue del resto.
El álbum abre sus puertas con la canción: "Old Red Eyes Is Back" un cuento sobre el los viejos ojos rojos y el alcoholismo. El cronista musical de la revista Stereo Review's Puterbaugh, declaró que era la canción del año siendo "compasiva mientras apunta sobre una vida perdida". Es un tema casi autobiográfico de Paul Heaton con portada del artista David Cutter, con quien la banda mantendría buena relación y les confeccionaría nuevas portadas para otros trabajos suyos.
Heaton, confiesa que la canción es una mirada "al aspecto más humorístico y triste de estar borracho...se vendió bien pero la radio no la pinchó demasiado, supongo que no les gusta las canciones sobre la adicción al alcohol"
"36D," causó polémica en determinadas esferas de la sociedad británica. La canción trata de las conocidas como "chicas de la página 3" de algunos tabloides londinenses. La intención de Heaton y Rotheray era atacar la industria que apoya la exposición de las mujeres en estas páginas y no atacar a las mujeres pero algunos de los mensajes no quedaron del todo claro y fueron cuestionados por ello.
I
El siguiente álbum lleva el título de "Miaow" y destaca el single "Prettiest Eyes." Es una balada suave y seductora cantada por un hombre que está harto de que su mujer le de calabazas y se invente todo tipo de excusas para rechazarle. El título "Los ojos más bonitos" no va en sintonía con lo amargo del tema en cuestión, brotando de nuevo la ironía.
"Carry on up the charts" es el primer recopilatorio de sus trabajos anteriores recogidos en el CD-1, así como de sus numerosas caras-b de singles (no publicadas anteriormente en LPs) recogidos en el CD-2. Cuentan que 1 de cada 7 hogares en el Reino Unido tienen este disco en sus "discotecas", ignoro cuantos hogares lo tienen en España pero desde luego, el mío es uno de ellos.
En 1996 la banda aporta un ligero giro a su estilo musical para explorar un sonido más country en el álbum "Blue Is the Colour". El cambio de tercio no impidió convencer al público de su excelente calidad musical y como premio vendieron más de 1 millón de copias. Supuso el quinto álbum de la banda y contiene uno sus éxitos más conocidos en España: "Rotterdam". , un original homenaje a las ciudades de puertos de contenedores europeos, lugares sin ninguna atracción, funcionales y gente gris de rubios cabellos a los que Heaton coloca en primera línea.
No cabe duda de que el álbum tiene un sonido más acústico que los anteriores y los temas son bastante más tranquilos u melancólicos, aunque sus letras siguen siendo provocadoras, como en su single "Don't marry her". El título original era "Don't marry her, fuck me", que literalmente quiere decir "No te cases con ella, fóllame a mi", sin embargo tras el escándalo generado, se cambió por "Don't marry her, have me" ("No te cases con ella, quédate conmigo"). Una canción que, una vez más, cuestiona el amor duradero y denuncia el matrimonio como deteriorador oficial de las relaciones. El grupo se separó en Enero 2007, después de 19 años, aludiendo (con el típico humor sarcástico de la banda) "similitudes musicales", después de haber vendido 6,500,000 albums en todo el mundo. En Enero 2009 se anunció que algunos de sus miembros se unirían de nuevo para formar "New Beautiful South" aunque finalmente se cambiarían el nombre a "The South".
A pesar de no seguir estando en la primera línea musical del Reino Unida, su música siempre será recordada por su inventiva, por ser anti monárquica, políticamente incorrecta y mordaz. Incluso llega a ser desconcertante que de repente te encuentres tarareando una canción sobre la violencia doméstica por ejemplo.
"Haz una lista de las cualidades que definen a un gran grupo de música pop y obtendrás l descripción muy aproximada de "The Beautiful South". Michael Small de la Revista People.
Hoy en día son considerados un grupo de culto en su país.
29.3.11
Say Say Say
Merece la pena comentar la canción Say Say Say, obra de dos genios de la música – Paul McCartney y Michael Jackson - para que cualquier persona que no la haya escuchado y visto el video que la acompaña, lo haga cuanto antes.
En cualquier lista de canciones que escuchar y videos que ver antes de morir, debería de estar este tema entre los 5 primeros, junto a cualquiera de los Beatles, los Rolling, Michael, Madonna, Bowie o U2. Sin embargo, no opinó así en 1983, la prestigiosa revista musical “Rolling Stones” que la define como la “insipidez de un mal aconsejado dúo”. No parece que compartieran este mismo sentimiento las listas de éxito en aquellos años, ya que la canción fue nº 1 en la lista de singles americana durante seis semanas a partir de diciembre de 1983 y permaneció 18 semanas dentro del Top 40 de Billboard.
Este fue el segundo dúo entre McCartney y Jackson. El primero, "The Girl Is Mine", apareció en el álbum "Thriller" de Jackson. "Say, Say, Say" apareció en el álbum de McCartney "Pipes of peace".Aunque parezca mentira, esta fue la canción con la que más triunfó Michael Jackson a lo largo de su carrera, superando, aunque por poco a "Billie Jean" y a "Thriller".
Según Paul constata en su autobiografía por Ray Coleman, la letra de la canción fue escrita por Michael y la instrumentalización corrió a cargo de Paul. La adecuada distribución de tareas, y la sabiduría de ambos a la hora de componer canciones de éxito popular junto con la conceptualidad del productor George Martin —el quinto beatle— consiguieron que el single permanezca aún hoy entre la discografía de generaciones posteriores a su lanzamiento.
Lo siguiente fue el rodaje del video. Say Say Say fue ilustrada por Bob Giraldi, quien el año anterior había dirigdo también a dos bandas rivales en el video de Jackson "Beat it". Fue filmado en el Union Hotel de Los Alamos en California construido en 1880. Un escenario idóneo para una idea de $500.000: dos artistas de nombre Mac y Jack 
en el siglo XIX se ganan la vida como estafadores vendedores ambulantes de una poción mágica. Acompañados por Linda McCartney titiritean por los pueblos ofreciendo espectáculo. El momento de Paul y Michael sobre el escenario con sus trajes a rayas y sus rostros de payasos coreografiando a una de las principales escenas de "Cantando bajo la lluvia" es para recordar. Como curiosidad, destaco que el video fue considerado demasiado violento por la National Coalition on Television Violence Americana por lo que no fue televisado hasta unos años después.
"Say say say" no podía fracasar, tenía los ingredientes adecuados: nacida gracias a la química de dos músicos con talento, grabada en los dos estudios más emblemáticos de la época, Abbey Road y Cherokee Studios, donde se grabó el mítico LP de Jackson: "Off the Wall" y producida por George Stevens, garantía de éxito. La relación entre los dos iconos del pop se vio afectada en 1985 cuando Jackson ganó la subasta contra Yoko Ono para comprar los derechos de más de 200 canciones de The Beatles.
En 1995, Jackson le vende la mitad del catálogo de sus canciones a Sony pero se cree que llegó a ganar hasta 40millones de libras al año por la mitad que se quedó en propiedad. También se especula con la idea de que Jackson planificara dejarle los derechos a Paul en su testamento, pero nada se ha vuelto a escuchar al respecto. Cuando Michael fallece en Junio 2009, Paul declara con tristeza que se “siente privilegiado por haber tratado y trabajado con él. Tenía un talento impresionante y un alma delicada. Su música será recordada para siempre y mis recuerdos de nuestro tiempo juntos serán alegres." Precisamente como el tiempo que pasaron elaborando, grabando, arreglando y rodando esta gran joya de la música pop de los últimos 25 años.
23.3.11
El Sgt Pepper's
Mientras escribo esta entrada lo escucho, lo tarareo, lo siento. Está hecho para los 5 sentidos. Sgt.Pepper's Lonely Hearts Club Band ha sido para muchos, el álbum más importante de la historia del rock n`roll. Una aventura sin igual en concepto, sonido, letra, arte y tecnología de estudio y lo grabaron The Beatles.
El Sgt Pepper es el 8º disco de la banda, lanzado en 1967 en Inglaterra. Es considerado el mejor disco del grupo, y uno de los más influyentes en la historia de la música. La revista Rolling Stone lo puso en el 1er puesto de la lista de los "500 Mejores Albumes de Todos los tiempos" .
Pero para apreciar un artefacto de la cultura pop, el contexto lo es todo, asi que empecemos por lo que envolvió el Sgt. Pepper. En unas declaraciones a la revista Playboy en 1980, Lennon contaba como a mediados de los años 60, "el viento que soplaba en aquel tiempo también empujaba a los Beatles, no niego que fuésemos banderas colocadas en el palo mayor, pero todo el barco se estaba moviendo." El consumo de ácido como fuente de inspiración y la salida de tres elepés - Pet Sounds de Beach Boys, Blonde on Blonde de Dylan y Revolver de The Beatles enmarcan el panorama musical de la época. Los continuos desacuerdos entre el grupo y su productora, la archiconocida EMI, tambalean las relaciones entre ellos y con la industria. Meses antes de su lanzamiento en Junio de 1967, ya se rumoreaba entre la sociedad británica sobre la naturaleza psicodélica del nuevo album como contrapunto a Revolver, su album anterior.
"Being for the benefit of Mr Kite" era otra canción que claramente versaba sobre sus querencias norteñas y sobre la nostalgia, describiendo la clase de diversiones que en la época victoriana entretenían a los lugareños de ciudades con población "desgraciada". En diferentes ocasiones, Lennon manifiesta que no hubo significado real en esta canción, simplemente juntó un montón de palabras y les puso ruido. No está nada mal para un relleno cualquiera. Es difícil imaginar un escenario más perfecto para la jovialidad victoriana de Lennon "Estar en beneficio del Sr. Kite!" (inspirado en un cartel de circo de 1843).
El 1 de Febrero, Paul se presentó en los estudios con la canción titular del álbum, "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" y George se sintión aliviado - por fin podría tocar un jugoso solo de guitarra. Nunca ocurrió: Paul decidió grabar su propio riff, advirtiendo al resto que bajo la premisa todo lo que me preocupa es hacer un gran disco, se adjudica la dirección de las sesiones.
La melancolía de McCartney en "Fixing a hole" queda patente en esta deliciosa melodía con la que Paul pretende pulir sus imperfecciones. Una muestra de como habría que trata de arreglar lo que está roto, tapar lo que está descubierto, rellenar lo que está vacio....
"She's leaving home" está muy en la línea de Eleanor Rigby, sólo que esta vez la historia era verdadera, extraída de un periódico. La canción es un sensible relato de confrontación generacional que describe con tanto acierto las escenas que llego a ponerles nombres y caras a los personajes. Cien veces la habré escuchado, cien veces me habré emocionado.
En uno de esos momentos de huída de la incómoda realidad y de reencuentro con su amada "Alicia en el país de las maravillas", Lennon garabatea tres frases para la historia: "Picture yourself in a boat down the river / with tangerine trees and marmalade skies", tras lo cual llama la atención de Paul para que le complemente en este momento de lucidez. El resultado fue "Lucy in the sky with diamonds" una joya que siempre ha brillado con luz propia y a la que acompañan especulaciones sobre si el origen de su título viene del simbolismo del LSD o del título de un dibujo del hijo de Lennon, Julian. Mientras para Lennon la inspiración derivaba de la ingesta de substancias , Paul utilizaba mundanales eventos que se sucedían a su alrededor. Así, "Getting Better" surge mientras pasea a su perro por Hampstead Heath, "Lovely Rita" es una guardia urbana de inclininaciones sexuales poco convencionales para la época y bastante inflexible, que le multa por mal aparcar y "When I'm 64" es pura nostalgia por la edad dorada de sus padres.
Es imposible exagerar su impacto: El Sgt Pepper no supuso el nacimiento del rock, pero sin duda logró diferenciarlo estilísticamente de la música pop. Después del álbum, el rock se convertiría por fin en el hermano adulto del pop y se apropiaría de todos los aspectos de su pariente para remodelarlos a su imagen y semejanza. Desde la explosión de la orquesta hasta los huidizos acordes del piano al final de "A day in the life", los trece temas son el pináculo. John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr estuvieron audaces en la búsqueda de la magia a pesar de la falta de medios modernos en los estudios ya que tenían que trabajar con cuatro pistas lo que les obligaba a sobregrabar cualquier instrumento o voz sobre pistas existentes, ralentizando el trabajo, tardaron 129 días para cambiar el mundo.
La portada también tiene su parte de mérito. Su aportación más innovadora, al márgen de que a partir de ese momento las portadas comenzaron a ser utilizadas como base del desarrollo artístico, alude a la incorporación de letras completas de las canciones en el reverso. En cuanto a la imágen de la portada en si, el concepto original era que aparecieran autoridades del norte: el alcalde con su banda, una escena norteña, reloj de flores etc....Finalmente, se decidió que tendría más impacto con una fotografía de los 4 sargentos tomada por Michael Cooper. El diseño corrió a cargo del artista pop Peter Blake quien arropó a los sargentos con rostros tan célebres como Shirley Temple, Bob Dylan, Karl Marx, Marilyn, Poe o Marlon Brandon.
Tuve la enorme ventaja de crecer junto a un gran seguidor de la banda, mi padre, quien me transmitió la capacidad de disfrutar de la buena música desde muy pequeña. En 1995, durante mi estancia en el Reino Unido, en una inolvidable visita de mi padre a Londres, no pudimos dejar de cumplir una misión: plantarnos en medio de la mítica tienda de discos inaugurada en el año 76, Virgin Megastore en el nº 1 de Picadilly Circus en busca de la mejor edición del Sgt Pepper. Lo conseguimos, y aunque por desgracia, él no lo pudo disfrutar por mucho tiempo, ya me encargo de hacerlo yo. Y aqui lo tengo, junto a mi, viendo pasar los años y sintiendo la misma emoción cada vez que lo "pincho".
La portada también tiene su parte de mérito. Su aportación más innovadora, al márgen de que a partir de ese momento las portadas comenzaron a ser utilizadas como base del desarrollo artístico, alude a la incorporación de letras completas de las canciones en el reverso. En cuanto a la imágen de la portada en si, el concepto original era que aparecieran autoridades del norte: el alcalde con su banda, una escena norteña, reloj de flores etc....Finalmente, se decidió que tendría más impacto con una fotografía de los 4 sargentos tomada por Michael Cooper. El diseño corrió a cargo del artista pop Peter Blake quien arropó a los sargentos con rostros tan célebres como Shirley Temple, Bob Dylan, Karl Marx, Marilyn, Poe o Marlon Brandon.
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